Il Truegaze di San Diego: la nostra chiacchierata con gli Sparkler

Arriva da San Diego questo quartetto di belle speranze in ambito shoegaze che risponde al nome di Sparkler. La formazione, guidata da Ashley “Tron” Castillo e Christopher Sennes, parte dalle magie dei principali esponenti del genere negli anni ’90 per creare suggestioni molto personali e totalizzanti, in un nuovo disco, “Glidewinder”, che potenzia e amplifica le ottime intuizioni sonore dell’esordio di tre anni fa. Il quartetto, in questa nuova fatica, trova il perfetto equilibrio tra shoegaze classico e un tocco moderno, amplificando spazi e suggestioni sonori. Ecco che il risultato è tanto imponente, sonico e potente quanto intimo e avvolgente e allo stesso tempo. “Glidewinder” è figlio di una sperimentazione che però non porta mai completamente alla deriva la band, sempre a fuoco nel creare densità rumorosa ma anche frangenti luminosi e caldi, in cui il feedback non genera inquietudine, ma una grande sensazione di pace e conforto. Il lavoro ritmico e l’intensità emotiva costante conferiscono punti in più a un ottimo disco.
Proprio della nuova fatica andiamo a parlare nella chiacchierata con Tron e Chris.

L’articolo nella sua forma originale lo trovate su Rockerilla 548, aprile 2026.

Ciao ragazzi, come state? Sono passati tre anni dal vostro ultimo album, come li avete trascorsi? In tour, un po’ di vacanza, scrivendo il nuovo album? Vedo che la formazione è diversa rispetto all’album di tre anni fa, giusto?
Ashley “Tron” Castillo: Ciao Riccardo! Stiamo bene. Abbiamo trascorso il tempo registrando, facendo un paio di piccoli tour con le nostre band preferite, scrivendo altre canzoni e preparando il nuovo disco. Ci siamo anche concessi qualche vacanza in quel periodo. La formazione è leggermente diversa. Jesse ha registrato tutti i bassi del disco e ha smesso di suonare con noi poco dopo aver finito le registrazioni. I batteristi, in questa band, sono andati e venuti con il passare delle stagioni. Abbiamo una nuova bassista, Amelia, che abbiamo conosciuto tramite il nostro vecchio bassista, Jesse. Ha anche registrato e mixato il nuovo album. Ora abbiamo un batterista fisso, Ian, che abbiamo conosciuto tramite alcuni amici comuni. Entrambi sono stati ottime aggiunte alla band e ci sembra che siano con noi da sempre, anzi, speriamo, che lo saranno per sempre. È fantastico incontrare persone con cui si instaura un legame che va oltre la musica.

Vorrei iniziare la nostra chiacchierata con una sensazione. Il vostro album è fragoroso, con chitarre rumorose e un forte cuore shoegaze, eppure posso dire che anche in mezzo al fragore e alla distorsione vorticosa, la prima parola che mi viene in mente è “tranquillità”. Mi sento trasportato, libero, in totale abbandono sereno quando ascolto la vostra musica. Sembra un controsenso, ma non lo è. Cosa ne pensate?
T: Ho sempre voluto catturare quella sensazione nella musica, perché è così che mi sento quando ascolto i classici, in particolare gli Slowdive. C’è un grande muro di suono che abbiamo cercato di catturare con grande impegno e, dal punto di vista vocale, mi piace contrastarlo con melodie leggere e aperte. Cantare in modo da fluttuare sopra tutte le chitarre vorticose. Penso che questo contribuisca a quella sensazione di “abbandono sereno”.
Christopher Sennes: Grazie per le parole gentili e molto belle. Mi piace spesso ascoltare musica che calma la mia mente e mi piace applicare questo approccio alla scrittura delle canzoni degli Sparkler. Mi piace molto anche suonare questi brani perché calmano davvero la mia mente e soffocano il rumore e il caos del mondo. Sono una persona molto iperattiva, sempre impegnata in qualcosa, incapace di stare ferma. Per qualche motivo, questo tipo di musica aiuta a calmare e tranquillizzare quel lato di me e immagino che a volte questo si rifletta anche sull’ascoltatore.

A volte percepisco le vostre canzoni come un flusso, come se catturaste il momento dell’improvvisazione, lasciando fluire la musica, piuttosto che come canzoni pianificate e strutturate. Penso ad esempio a “Pet Hotel”. Ti affidi più alle idee libere che fluiscono liberamente dalle emozioni, o cerchi di avere una visione abbastanza strutturata di una canzone quando scrivete?
T: Chris scrive il 99% della musica e mi piace osservare il suo processo perché trova uno o due accordi o suoni che gli piacciono molto e li usa come base per scrivere una canzone. L’ho visto scrivere canzoni semplicemente partendo da un tono di un pedale che ha trovato. Il mio compito è quello di intervenire e scrivere testi o melodie in base a come mi fanno sentire quegli strumenti, quindi in un certo senso questi elementi sono tutti guidati dalle emozioni, senza una vera e propria costruzione rigida in mente. Credo che lo preferiamo perché ci permette di esplorare liberamente le idee.
C: Nello specifico “Pet Hotel” è una rielaborazione di una canzone che abbiamo scritto insieme circa 8 anni fa ed è stato divertente perché c’era già tutto. La struttura della canzone era già definita e da lì abbiamo potuto sperimentare e provare cose nuove. Per altre canzoni, mi impegno molto per trovare il modo migliore per passare da una parte all’altra. Le canzoni devono essere scritte in modo tale che non si notino in modo significativo i cambiamenti nel corso della canzone, ma senza che sembri che sia lo stesso riff per 4 minuti. Ovviamente ci sono delle eccezioni, specialmente in canzoni come “Last Left”, che è esplosiva e poi a volte si ritira violentemente, ma il mio obiettivo è che sia un pezzo fluido, piuttosto che il classico “strofa-ritornello-bridge-strofa-ritornello-strofa…”

Rispetto al vostro debutto, cosa pensate di aver aggiunto o forse cambiato al vostro sound?
C: Penso che “Big Sonic Chill” abbia avuto un processo di scrittura più sperimentale. In parte è stata una scrittura molto libera, per vedere cosa funzionava e come volevamo suonare. “Glidewinder” è molto più intenzionale, nel senso che partiamo da un riff e poi facciamo un passo indietro per valutare dove vogliamo arrivare senza forzare nulla. “Glidewinder” è una rappresentazione più diretta della musica che vogliamo scrivere e ascoltare. È più raffinato, ma senza limitare i nostri suoni e la nostra scrittura.
Adoro quando mettete in risalto una vena melodica molto forte in una canzone come “Postal”. Quanto è importante questo aspetto nella vostra musica?
T: Penso che sia incredibilmente importante, perché è la parte che rimane più impressa nella mente. Aiuta a scolpire un’emozione anche se non è del tutto presente nel testo.
C: Le melodie sono spesso la parte più difficile della composizione per me e l’ultima a cui penso, ma spesso ci torturiamo per assicurarci che siano qualcosa che amiamo davvero, perché di solito sono la parte più memorabile per la maggior parte delle persone. Tron si occupa principalmente di tutte le melodie e poi lavoriamo insieme per rivederle. Sono fortunato ad averla con me, altrimenti nessuna di queste canzoni avrebbe mai una melodia, o almeno una melodia decente.

Ci sono due o tre canzoni in cui il lavoro ritmico è quasi impressionante e fondamentale per la canzone, penso “Methadone Jesus”, “Come Today” o “Last Left”, e questo mi fa ribadire come nello shoegaze sia sempre limitante concentrarsi solo sulle chitarre distorte, ma anche che il ritmo ha la sua importanza assoluta. Cosa ne pensi?
T: Sono un grande fan delle canzoni con un ritmo di batteria super trascinante, mi sembra che dia loro carattere. “Methadone Jesus” è una delle mie canzoni preferite dell’album proprio per questo motivo; la canzone ti esplode addosso e la batteria non molla mai. “Come Today” e “Last Left” hanno parti di chitarra davvero trascinanti che si sposano bene con la batteria. Per noi era importante catturare quell’energia, senza dubbio
C: La chitarra è il mio strumento principale per scrivere, ma probabilmente è la parte che meno mi piace del processo di scrittura. Adoro scrivere linee di basso e ritmi di batteria, che spesso tendono a dettare l’atmosfera di una canzone. Jake Morse ha suonato la batteria nell’album e ha fatto un ottimo lavoro nel prendere ciò che avevo scritto e applicarlo a modo suo. Non posso certo prendermi il merito per questo.

“Last Left” è la mia canzone preferita. Posso dirti che è come un vortice di suoni che mi affascina? È una canzone inebriante che mi riempie le orecchie e mi trasporta in mondi nuovi. Come è nata questa magnifica canzone?
C: È stata la prima canzone che abbiamo scritto per questo disco e volevo che fosse molto diretta. Adoro i riff di chitarra in questa canzone e sono così divertenti da poter essere ripetuti all’infinito. Sono anche un grande fan del passaggio da parti “tranquille” delle canzoni a parti più abrasive. Questo porta energia e poi si ritira molto rapidamente, dando la sensazione che lo slancio in avanti venga frenato bruscamente. A volte disorienta, specialmente dal vivo, ed è proprio quello che volevo ottenere. Spero che questo risultato sia stato raggiunto.
“Pruning” ha una costruzione “liquida”. Evoca magia e dolcezza, ma poi arriva sempre la potente onda sonora, che poi, però, ritrova quel momento di pace precedente: mi dà davvero l’idea di un mare di suoni, come se fossimo tra le onde. Non so se riesco a esprimere la mia sensazione. Come percepisci questa canzone?
T: Un mare di suoni è un modo fantastico per descriverla, dato che ha un andamento che ricorda veramente le onde. Per quanto riguarda la melodia, sapevo che gli strumenti avrebbero fatto la maggior parte del lavoro, quindi volevo una linea vocale che potesse intrecciarsi con essi. La canzone è molto aperta, ma ha comunque un modo di spingerti e tirarti, come dici tu, proprio come nuotare nell’oceano.
C: Questa canzone è davvero divertente e stimolante. Mi piace molto come sale e scende dolcemente per un po’, per poi diventare davvero delicata prima di esplodere. Hai ragione, mi ricorda un po’ l’oceano. Ci sono le normali onde che si infrangono, seguite da un momento di calma proprio prima che arrivi un’onda enorme che ti travolge.

C’è una canzone in questo album che alla fine ti ha sorpreso? Forse un brano che all’inizio non sembrava funzionare o che aveva qualcosa che non andava, ma che alla fine è emersa in tutto il suo splendore, o forse qualcosa che è nato e si è completato in pochissimo tempo, come se fosse già perfettamente scritto nella vostra mente…
C: “Come Today” è stata una sorpresa, ma solo perché l’abbiamo registrata e abbiamo sentito che non aveva quasi bisogno di mixaggio o note. Mi è piaciuta molto anche “Slowerratic” perché abbiamo potuto divertirci con le percussioni. Gran parte del processo di registrazione è stato dedicato alla sperimentazione di suoni e attrezzature diverse, quindi i prodotti finali sono sempre stati divertenti perché si sono evoluti parecchio rispetto ai demo originali.

Visitando la vostra pagina Bandcamp, mi ha colpito la parola che usate per descrivervi, ovvero “truegaze”. Puoi dirmi da dove viene e cosa significa?
C: È soprattutto un gioco di parole divertente. Sono stranamente ossessionato dalle parole e mi piace giocare con diverse idee di parole e combinarle in modi strani. Ora ci sono così tanti sottogeneri diversi di shoegaze, ad esempio grungegaze, doomgaze, nugaze, ecc.. Truegaze è solo qualcosa che ho inventato e che ci si addice. Cerchiamo di rimanere il più fedeli possibile alle prime versioni del genere, continuando però a esplorare, sperimentare e ampliare i suoni. Siamo anche fedeli a noi stessi in ciò che vogliamo creare e ascoltare. Alla fine dei conti, era una parola sciocca che avevo inventato e che è rimasta.

Ho 50 anni, sono cresciuto con lo shoegaze degli anni ’90, l’ho vissuto e l’ho amato. A volte sembra impossibile che, nel 2026, ci siano ancora suoni così “devoti” a quei dischi usciti in quegli anni favolosi. Come hai scoperto lo shoegaze e quanto ti senti legato ad artisti come My Bloody Valentine o Slowdive, solo per citare un paio di band fondamentali?
T: Le prime canzoni dei MBV hanno quel rumore trascinante che mi tocca quel cuore punk rock che ho e le adoro per questo. Gli Slowdive sono stati una band che mi ha fatto ricalibrare il modo in cui ascoltavo la musica e mi ha fatto rimodellare le mie idee su come le melodie possono essere utilizzate in una canzone. Hanno un’influenza incredibile sul mio ruolo negli Sparkler e sono loro che mi ispirano di più. Quindi, quando abbiamo potuto lavorare con Simon Scott (batterista proprio degli Slowdive), che ha masterizzato l’album, è stata un’esperienza incredibilmente surreale. Soprattutto quando ha tessuto le sue lodi, personalmente non riesco ancora a crederci.
C: Sono stato introdotto ai My Bloody Valentine da un mio caro amico d’infanzia. Ricordo a malapena perché penso che fossimo entrambi piuttosto ubriachi e fatti. Ricordo solo di essere stato molto confuso. Ho anche ascoltato molte band più recenti che potrebbero essere considerate vicine allo shoegaze e mi sono fatto strada a ritroso verso i suoni dei primi anni ‘90. Un po’ come seguire un cavo fino alla presa a muro. Ricordo anche di aver visto il documentario di Pitchfork Classics su “Souvlaki” degli Slowdive e che mi ha colpito al punto da farmi dire “Penso che questi siano i suoni che voglio creare“.

Oltre ai classici del genere, ci sono band attuali che ti piacciono particolarmente? Ad esempio, io adoro i Blankenberge, non so se li conoscete, o i she’s green…
T: Siamo amici di una band chiamata memoryloop che scrive alcune delle canzoni più belle che abbia mai sentito. Tutti dovrebbero andare a vederli dal vivo, ti avvolgeranno in un muro di suono. In tutta onestà, non ascolto molto shoegaze. Alcune band che mi piacciono molto sono i Gurriers dall’Irlanda, i Guck da Los Angeles, i Popfree, i Drook, i Murdermart sono fantastici.
C : Se parliamo strettamente di shoegaze, sono un grande fan degli Highspire. Sono in attività dall’inizio degli anni 2000 e hanno pubblicato il loro primo disco in 13 anni nell’estate del 2025. Gli Aluminum sono una band più recente che mi piace molto come band che si avvicina allo shoegaze. Oeil è un’altra grande band shoegaze giapponese. Mi piacciono molto anche Winter, Crate, Glia, Memory Loop, Doused e Cigarettes for Breakfast. I Fleeting Joys sono tra i miei preferiti di sempre e forse possiamo davvero definirli “un classico” dei nostri tempi.

Il nuovo album è pubblicato dalla A La Carte Records. Come siete entrati in contatto con loro?
C: Inizialmente avevamo intenzione di pubblicare “Glidewinder “in modo indipendente, dato che facciamo quasi tutto internamente. Poi alcuni nostri amici che suonano in band della A La Carte hanno contattato sia noi che l’etichetta, pensando che potesse essere una buona combinazione. Fortunatamente per noi, lavorare con loro è stato un vero piacere e incredibilmente facile. Recentemente abbiamo anche trascorso un’intera giornata con un paio dei proprietari, e ci siamo divertiti un sacco. Sono persone davvero fantastiche con intenzioni sincere.

A volte mi sorprende leggere che alcune band shoegaze hanno avuto successo su TikTok: per me lo shoegaze è musica da “vivere” e le canzoni shoegaze devono essere ascoltate dall’inizio alla fine, mentre oggi sembra che la parola d’ordine sia canzoni brevi, veloci, usa e getta, necessarie come musica di sottofondo piuttosto che come elemento principale. È difficile fare e, soprattutto, pensare alla musica al giorno d’oggi?
T: Penso che siamo ancora dei “vecchi” nel nostro approccio alla musica. Glidewinder è un album che è stato realizzato per essere ascoltato dall’inizio alla fine. È un unico pezzo. Quindi “commercializzarlo” nell’era di Internet è una sfida completamente nuova da affrontare. È difficile tagliare 20 secondi di una canzone quando è pensata per essere ascoltata nella sua interezza, in qualche modo vanifica lo scopo. Sono d’accordo sul fatto che lo shoegaze sia un genere “da vivere”, cerchiamo di mettere insieme un live set che scorra come un unico pezzo, quindi spero che i teaser brevi e veloci siano almeno abbastanza allettanti da invogliare le persone a venire a vederci dal vivo, perché questa è la parte migliore di tutto questo, suonare con i tuoi amici e condividere la musica.
C: Sono d’accordo con quello che hai detto. Preferisco di gran lunga ascoltare più di una canzone per intero. Voglio ascoltare un album completo dall’inizio alla fine senza interruzioni. Adoro i brani ben studiati ed è una forma d’arte in sé creare una tracklist che scorra con grazia. Sono piuttosto distaccato dal mondo dei social media e tutto ciò che lo riguarda, ma il mondo che ci circonda è in rapida evoluzione e bisogna creare qualcosa che induca le persone a smettere di scrollare col telefono e a dedicare 15 secondi della loro vita ad ascoltare o guardare qualcosa che hai creato. Questo non è mai stato il nostro obiettivo, quindi a volte è difficile. Tuttavia, non è stato difficile fare musica perché è sempre stato quello che volevamo scrivere, quello che volevamo ascoltare, quello che volevamo fare. Non abbiamo mai pensato a “come possiamo fare le nostre canzoni per soddisfare il grande pubblico“, anche se sarebbe bello se il grande pubblico le ascoltasse. Non posso negarlo.

Avete mai suonato in Europa?
T: Non credo che nemmeno la metà di noi sia mai stata in Europa, haha. Ma ci piacerebbe moltissimo suonare lì: Riccardo, manda le nostre informazioni ad alcuni agenti e magari potremo farlo.
C: Sono stato a malapena in Messico, che dista solo 30 miglia da qui. Lì però ho suonato.

Grazie ancora per la vostra gentilezza. Posso chiedervi quale canzone del vostro album usereste (e magari dirmi perché) come “colonna sonora finale” per i titoli di coda della nostra chiacchierata?
T: Direi “Last Left” perché è la tua preferita!
C: Anch’io adoro “Last Left” perché è stata la prima canzone scritta per questo disco. La mia seconda scelta sarebbe “Come Today” perché è stata l’ultima canzone scritta e adoro il modo in cui è venuta fuori nelle registrazioni.