The Weekender: ascolta gli album di U2, Jake Bugg, Land Of Talk (e molti altri…) usciti oggi

Da qualche anno ormai il venerdì è il giorno della settimana consacrato alle uscite discografiche. Quale migliore modo allora per prepararsi mentalmente all’imminente, sospirato, weekend se non quello di passare in rassegna i migliori album usciti proprio nelle ultime ore?
I dischi attesi per mesi sono finalmente tra noi…buon ascolto.

U2 – “Carnaval De Luz”
[Island]pop-rock

“Carnaval De Luz” è il sedicesimo album in studio degli U2, composto da 12 nuovi brani ricchi di melodie, firmati da una delle band più acclamate e longeve di tutti i tempi. Riconosciuti come uno dei migliori gruppi dal vivo al mondo, gli U2 vantano oltre 175 milioni di dischi venduti e hanno vinto numerosi premi, tra cui 22 Grammy. In uscita nell’anno in cui Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. festeggeranno i 50 anni insieme negli U2, “Carnaval De Luz” include i brani “Street of Dreams”, “Silencio” e “Torn (ft. Dolly Parton)”.

JAKE BUGG – “Alamo”
[Lovebugg Recordings]pop-folk-rock

Il nuovo album di Jake Bugg, “Alamo” – il suo settimo ad oggi, mentre si avvicina ai trent’anni – è prodotto da Jimmy Hogarth ed è il lavoro più personale e sentito che Jake abbia mai realizzato. Sia dal punto di vista dei testi che da quello sonoro, l’album è caratterizzato da un’onestà decisamente cruda e autentica. “Never Can Tell” è il primo brano estratto dall’album e parla di come la vita ci trascini in direzioni diverse, facendoci sentire incerti e come se a volte non stessimo andando avanti. Jake aggiunge: «Ho scritto e registrato questo disco con i miei amici Jimmy Hogarth e Steve McEwan a Londra. Credo che sia un disco piuttosto personale e introspettivo, e lo considero un ulteriore passo verso il mio sound di un tempo, oltre che un disco che mi è davvero piaciuto realizzare».

LAND OF TALK – “Lasts”
[Saddle Creek]alternative

I Land of Talk tornano con il loro sesto album- Dopo essersi sentita logorata dall’industria musicale e preoccupata per i propri genitori che invecchiano, Lizzie Powell ha visto le canzoni prendere lentamente forma dai suoni della vita quotidiana. «La vita può diventare davvero insopportabile, e la musica è il luogo in cui mi rifugio per elaborarla», spiega. Ricco di doppi sensi, “Lasts” racchiude in sé sia la resilienza che la definitività. Ossessionato dal collasso climatico, dagli sconvolgimenti politici e dal genocidio, l’album si rivolge a rappresentazioni più intime e umane della sofferenza e del dolore, plasmate dalle riflessioni di Powell sulla malattia dei propri genitori, sulla mortalità, sulla gratitudine e sulla rabbia. L’album è essenziale, intimo e spontaneo. Attraverso otto brani, Powell affronta il tema degli abusi nell’industria musicale, dell’identità e della sopravvivenza, definendo il disco «una lettera d’amore alla vita».

SILVERTOMB – “The Interpretation Of Nightmares”
[Steamhammer]doom, metal

I Silvertomb, la band di fuoriclasse che vede tra le sue fila gli ex membri dei Type O Negative e dei Danzig Kenny Hickey (voce, chitarra) e Johnny Kelly (batteria), insieme ai loro tre compagni di band altrettanto rinomati Joe James (chitarra, ex Agnostic Front), Hank Hell (basso, ex Sheer Terror) e Aaron Joos (chitarra, tastiere), tornano con il loro secondo album, “The Interpretation Of Nightmares”. Questo album pone fine alla loro pausa di sette anni, aprendo la strada a un futuro di successo. “The Interpretation Of Nightmares” è un capolavoro di doom metal dall’atmosfera densa.

ROYAL BLOOD – “Dead Company”
[Warners]alternative

I Royal Blood tornano con il loro quinto album in studio. L’album apre un nuovo capitolo per una delle band più rappresentative del rock britannico contemporaneo, dopo l’ultimo album del 2023 e un periodo lontano dai riflettori. Autoprodotto, o come lo definisce la band, “anti-prodotto”, Mike Kerr e Ben Thatcher sono entrati in studio nel 2025 senza scadenze né distrazioni. Il risultato è grezzo, diretto e ridotto all’essenziale, con tutta la forza e l’immediatezza dei Royal Blood a tutto gas.

PUPILLO + URSELLI + MANZAN – “Nimana”
[Improved Sequence]sperimentale

Nel disco sono presenti tre ospiti, che rappresentano un capitolo fondamentale della controcultura: Terry Riley è il venerato compositore americano riconosciuto tra i padri del Minimalismo musicale; Penny Rimbaud è il celebre co-fondatore dello storico collettivo anarco-punk Crass; Anne Waldman è l’acclamata poetessa che ha fondato insieme ad Allen Ginsberg la Jack Kerouac School of Disembodied Poetics. I tre autori sono stati coinvolti nel disco in qualità di artisti spoken word, invitati a interpretare un testo a propria scelta all’interno delle ampie composizioni strumentali ordite dal trio. Il filo conduttore che unisce questi contributi vocali risiede nella pratica e nella riflessione attorno agli insegnamenti buddisti, dai quali tutti e tre traggono viva ispirazione. L’opera si articola su 3 tracce di lunga durata, concepite come autentici viaggi sonori in cui convergono le molteplici anime musicali dei suoi artefici.

FUCKED UP – “Grass Can Move Stones Part 3: Year of the Rooster”
[Tank Crimes]alternative

I Fucked Up superano la loro sfida più grande fino ad oggi per presentarci “Year of the Rooster”, il terzo e ultimo capitolo dell’immensa trilogia “Grass Can Move Stones”. Quest’opera si è rivelata un capolavoro narrativo di storytelling neoclassico, che conclude con grande eleganza il percorso musicale di vent’anni di audace composizione coltivata dai Fucked Up. Concludere il viaggio di “Grass Can Move Stones” non è un’impresa da poco. Il profondo desiderio di Monkey di scoprire il proprio vero io si è costantemente scontrato con il terrore cosmico e il tumulto esistenziale. Monkey e Good Goat iniziano ora questo capitolo finale in un regno primordiale agli albori della creazione, corteggiati da un esercito sfarzoso di Galli senza età, capaci di visualizzare l’universo in tutte le fasi della storia attraverso uno specchio noto come “Il Fiume del Tempo”. Loro, e voi, state per essere catapultati in un campo di battaglia infinito, teatro di guerre che piegano le dimensioni e di scoperte. Finalmente la storia si avvicina alle verità che ha accennato per tutto il percorso, offrendo ben più di un semplice nuovo universo in cui far fiorire l’immaginazione: “Rooster” trasmette un messaggio semplice e toccante di umiltà e dedizione di fronte a un’esistenza che altrimenti sembrerebbe insormontabile. Tali massime non potevano che essere accompagnate da un universo sonoro meticolosamente costruito, un vero e proprio spettacolo pirotecnico compositivo che attinge a tutto il ricco repertorio musicale dei Fucked Up.

ALWAYS YOU – “Against The World”
[Hit The North]indie-pop

Gli Always You, una band formata da due fratelli residenti a Los Angeles, attivi anche nei Beach Fossils e nei The Pains Of Being Pure At Heart, sono tornati. Il batterista Anton è membro dei Beach Fossils, mentre Christoph, chitarrista e cantante, suona anche come chitarrista nella formazione rinnovata dei The Pains Of Being Pure At Heart, tra le altre cose, rendendo i due figure chiave della scena indie statunitense degli anni 2010. In questo album hanno avviato una nuova collaborazione con Jack Tatum, frontman dei Wild Nothing, che ha partecipato anche come chitarrista di supporto e batterista, in qualità di produttore principale. Questo è un album in cui si percepisce una nuova versione degli Always You che fa ballare e vibrare più che mai, sfruttando ogni elemento, dall’attaccata del beat ai suoni dei sintetizzatori. L’album include non solo brani synth-pop come la traccia principale “Against the World” e la seconda traccia “Eye to Eye”, ma anche “Shadowplay” e “Walking on Air” in stile disco, che hanno messo in risalto la dolcezza originale degli Always You.

SWANSEA SOUND – “Pre-Post-Truth”
[Skep Wax]indie-pop

A volte definiti un “supergruppo indie”, gli Swansea Sound sono composti da Hue Williams (ex-The Pooh Sticks), Amelia Fletcher e Rob Pursey (Heavenly), Bob Collins (The Dentists) e Ian Button (Death In Vegas, Railcard). “Pre-post-truth” è il loro terzo album. In “Pre-post-truth” gli Swansea Sound ampliano le loro ambizioni musicali e allargano i propri orizzonti testuali. Questo album è forte e schietto, ma è anche energico, emozionante e molto spiritoso. C’è anche una consapevolezza di impotenza: le canzoni sono spesso autoironiche e si chiedono se sia davvero possibile fare dichiarazioni sovversive in un mondo in cui i canali di comunicazione sono tutti di proprietà degli stessi “tech-bros”.

COMPUTERWIFE – “Born From A Wish”
[Danger Collective Records]alternative

L’artista newyorkese Computerwife torna con il suo secondo LP. Frutto di tre anni di lavoro, l’album di 11 tracce esalta il suo caratteristico sound basato sulla chitarra grazie a una produzione più ricca e a una visione più ampia. Esplorando temi quali l’isolamento, il cuore spezzato e la scoperta di sé, i singoli “Nobody” e “Foreverrr” costituiscono il fulcro dell’opera più sicura, matura ed emotivamente coinvolgente di Computerwife fino ad oggi, collocandosi in quello spazio liminale tra la vita digitale e la realtà tangibile.

FOG LAKE – “Hollowbody”
[Fog Lake]dream-pop

“Hollowbody” è stato realizzato in tre settimane ed è stato coprodotto, mixato e masterizzato dal collaboratore di lunga data Warren Hildebrand dei Foxes In Fiction. L’album trae ispirazione da un vecchio apparecchio risalente a decenni fa che Powell ha trovato per caso. «Ho comprato su eBay questo simulatore di amplificatore Tascam degli anni ’80, dotato di un pulsante per la registrazione “analogica” veloce e facile da usare: ha davvero plasmato il suono e l’atmosfera delle canzoni che stavo scrivendo», ha dichiarato.

J BERNARDT – “Wild Swim”
[PIAS]alternative

J.Bernardt, l’alter ego di Jinte Deprez (Balthazar), torna con il terzo album a metà strada tra una sfrenata gioia di vivere e una sorta di nichilismo euforico. Immaginate Jinte che attraversa Los Angeles a grandi passi in un abito sgargiante, come se stesse facendo un provino per la propria crisi di mezza età. Un ragazzo belga che improvvisamente decide che la sottigliezza potrebbe essere sopravvalutata, che a volte le storie che racconti di te stesso contengono più verità dei fatti reali della tua vita. Il risultato è un disco che sembra una liberazione: selvaggio, caloroso e pieno di vita. Dal punto di vista musicale, J.Bernardt si spinge più lontano che mai. La sua impronta è ancora lì, ma si espande in qualcosa di retro-futuristico, con cori ispirati alla Motown che fungono da emozionante contrappunto al suo vibrato. La produzione caleidoscopica di Paul Butler (Michael Kiwanuka, Devendra Banhart) dà l’impressione che ogni finestra nella mente di J.Bernardt sia stata spalancata tutta in una volta. Il disco è funky, euforico e spericolato allo stesso tempo.

AA.VV – “20th Century Paddy – The Songs of Shane MacGowan”
[Rubyworks]pop-rock

“20th Century Paddy – The Songs of Shane MacGowan” è una lettera d’amore sonora a un repertorio che ha plasmato intere generazioni. L’album presenta un mix eterogeneo di icone e artisti contemporanei di grande impatto, ognuno dei quali apporta una prospettiva unica ai brani che hanno definito la carriera di Shane MacGowan.

KIM DEAL – “Live at the Barbican”
[4AD]indie-rock

Il 1° marzo 2025, Kim Deal ha tenuto un concerto irripetibile, con tutti i biglietti esauriti, presso lo storico Barbican di Londra, eseguendo speciali versioni orchestrali dei brani tratti dal suo acclamato album di debutto da solista “Nobody Loves You More”, seguite da brani tratti dal repertorio dei Breeders e dai suoi precedenti lavori da solista. La serata, culminata con una sentita standing ovation, è stata documentata integralmente sotto forma di album dal vivo. In “Live at the Barbican” Deal è accompagnata da un ensemble di 25 elementi: è la prima volta, in una carriera lunga decenni, che suona con un’orchestra. L’idea dello spettacolo è venuta a Deal mentre mixava il suo album solista a Hackney: «Mi sono autoinvitata! È così che sono arrivata a suonare ‘Nobody Loves You More’ al Barbican. Anni fa avevo lavorato con Chris Sharp all’etichetta 4AD e sapevo che in quel momento era al Barbican. Così ho contattato Chris e gli ho detto: ‘In questo disco ci sono delle orchestrazioni. Mi piacerebbe poter eseguire queste canzoni con una vera orchestra’. E Chris ha risposto: ‘Sì, ci farebbe molto piacere averti con noi’.“

SHAINA HAYES – “Take the Case of a Rose”
[Bonsound]folk

Il terzo album di Shaina Hayes è un’esplorazione della resilienza, dell’eredità e delle silenziose trasformazioni che plasmano una vita. Scritto durante un periodo di profonda transizione personale, il disco riflette un cambiamento di prospettiva: un rivolgersi verso l’interno, una rinnovata attenzione ai sottili ritmi emotivi ed ecologici che ci guidano. L’album raccoglie i temi emersi per Shaina in questo periodo: la tensione tra il tenere stretto e il lasciar andare, il susseguirsi delle stagioni e la bellezza inaspettata che emerge quando la vita ti chiede di ripensare il tuo percorso.

GIRLBAND! – “Girlband!”
[AMK]alternative

Tutto ruota attorno all’idea di una notte in movimento, l’ambientazione perfetta per una band il cui sound attinge alle chitarre distorte, all’attitudine garage-rock e all’energia grezza dell’alternative degli anni ’90. Ritagliandosi uno spazio tutto loro a metà strada tra The Breeders, Hole e The Cranberries, emanano fascino con una sana dose di caos. Scritto in tempo reale mentre erano in tour, facevano amicizia, si innamoravano e si lasciavano e, in generale, cercavano di capire che diavolo stessero facendo, è un disco radicato nella realtà dell’essere una giovane donna oggi: amore, sesso, amicizia, delusioni amorose, soldi, identità queer, femminilità e tutte le stranezze che stanno in mezzo, passando da serate euforiche ai momenti difficili che seguono. L’album sembra vissuto, come una casa che ha visto andare e venire un sacco di festaioli: notti in bianco, amicizie, rotture, l’amica che si presenta alla tua porta dopo una giornata terribile. È in quei momenti quotidiani che le Girlband! trovano le storie più grandi, personali senza prendersi troppo sul serio.

TARA CUNNINGHAM – “Warm Ground”
[Odda]sperimentale

Le miniature glitch per chitarra di Tara Cunningham disegnano motivi nello spazio negativo nel nuovo mini-album. Operando prevalentemente nell’ambito della musica improvvisata e sperimentale, la chitarrista Tara Cunningham ha sviluppato un linguaggio sonoro distintivo che rivela l’intera gamma di texture e timbri del suo strumento. “Warm Ground” si sviluppa attraverso sette avvincenti dialoghi strumentali – ciascuno una conversazione tra ritmi e suoni trovati, sincopati e giustapposti, aperti all’incontro. Cunningham trova una dimora naturale nel roster di artisti di Odda, sensibili ai dettagli dei propri materiali e dell’ambiente circostante, scoprendo affinità con l’intima arte compositiva di Kirk Barley e Fohn negli spazi tra composizione e improvvisazione.

THE DATSUN – “Moonstruck Man”
[V2]hard rock

Siamo in zona anni ’70, con effetti a pedale che esaltano il wah-wah e il suono elettrico bruciante. Territori battuti da Ritchie Blackmore dei Deep Purple e Leslie West dei Mountain. La voce dal timbro acuto e i ritmi frenetici richiamano i classici Rush. C’è un tocco glam bizzarro e stravagante alla Sparks e Marc Bolan.

ANBERLIN – “Currency”
[Rude Records]alt-rock

Nono album in studio del gruppo e primo album completo con Matty Mullins come cantante solista. Segnando l’inizio di un nuovo e audace capitolo, “Currency” riprende lo slancio di “Vega” del 2024, in cui Mullins ha fatto il suo debutto discografico in due brani, e segna una rinnovata energia creativa per una band che si è continuamente evoluta nel corso dei suoi quasi 25 anni di carriera. Prodotto dalla band insieme a Kellen McGregor (Memphis May Fire), l’album di undici brani abbraccia sia il passato leggendario degli Anberlin che un futuro entusiasmante, dimostrando che crescita e reinvenzione possono coesistere senza sacrificare l’inconfondibile identità della band.

WAVVES – “Cherry Soda”
[I Surrender Records / Bose Records]indie-rock

Inizialmente “Cherry Soda” era stato concepito e annunciato come un album collaborativo tra Nathan Williams (frontman dei Wavves) e Max Bemis dei Say Anything. Nell’https://open.spotify.com/intl-it/album/0YIPzDAdVK7HUd21Oqn176?si=KDcmPg6RRG-GEDH6IW9M9gagosto 2026, in seguito a gravi accuse rivolte a Max Bemis riguardo messaggi inappropriati inviati a fan minorenni, Nathan Williams ha deciso di cancellare il progetto congiunto. Il frontman è tornato in studio per registrare nuovamente il disco da zero come un album esclusivo dei Wavves. Dopo un primo rinvio annunciato per il 30 ottobre, la pubblicazione ufficiale della versione solista è stata spostata al 13 novembre 2026. Williams ha descritto il disco come la sua personale interpretazione di un album emo dei primi anni Duemila. Il sound mescola la carica melodrammatica di quell’epoca con le chitarre distorte, il surf-punk californiano e i ritornelli orecchiabili tipici della band.

CAROLINE STRICKLAND – “Super Tender”
[Born Losers Records]indie-rock

L’intero album è stato inciso in presa diretta il 1° aprile 2026 presso Union Pool di New York. Questa scelta preserva l’energia grezza, le imperfezioni e la tensione delle esibizioni live senza levigare il suono in studio. La critica accosta la scrittura schietta e viscerale di Strickland alla vulnerabilità feroce di PJ Harvey, all’ironia colloquiale di Liz Phair e all’intensità poetica di Patti Smith. Il disco è un diario emotivo legato ai suoi 25 anni a Bushwick, tra la fine della sua prima relazione importante, l’insegnamento della musica e il desiderio di affermarsi.

MASAYOSHI FUJITA – “Forest Of Tranquility”
[Erased Tapes]modern composition, ambient

Quando l’artista giapponese Masayoshi Fujita è stato invitato a creare la colonna sonora per la grande installazione naturalistica dell’Expo 2025, “Forest of Tranquility”, ha immediatamente immaginato uno spazio pubblico rilassante in cui i visitatori potessero isolarsi dal rumore e ricaricare le energie. All’interno di questo rifugio verde a cielo aperto – visitato da milioni di persone durante lo storico evento di Osaka, durato sei mesi – si trovavano uno stagno centrale e 1.500 alberi veri, tutti recuperati e riutilizzati dal sito dell’Expo ’70 e da altri parchi di Osaka. È da questa prestigiosa commissione che è nato il nuovo album di Fujita per Erased Tapes, “Forest of Tranquility”. Come i pionieri giapponesi del kanky? ongaku (musica ambientale) Hiroshi Yoshimura, Midori Takada e Haruomi Hosono prima di lui, Fujita crea una musica delicata e rilassante, pensata per fondersi armoniosamente con l’ambiente circostante Fujita ha cercato di approfondire il legame dell’ascoltatore con i flussi e riflussi complementari del mondo naturale, utilizzando cambiamenti dinamici e archi delicati per modificare l’atmosfera. Il risultato è stato un arazzo vivente che rispecchiava la foresta circostante, con motivi non lineari e svolte e svolte nella trama — creando un portale verso l’inaspettato.

THE BODY AND CEL GENESIS – “Whole Wide World”
[Thrill Jockey]elettronica

The Body and Cel Genesis si incontrano in uno spazio plasmato da tensione, contraddizione, curiosità, animosità e affetto. “Whole Wide World” mette in dialogo la musica trance, la distorsione e l’elettronica sperimentale con la forza viscerale di due batteristi dal vivo, nata dall’amicizia, dall’umiltà e da una comune apertura al processo creativo. Denso, pesante, gioioso e difficile da definire, “Whole Wide World” sembra un’ode all’invenzione senza ego. I suoi temi più crudi affrontano il presente a testa alta, suonando come un ottimista implacabile che cerca di elaborare la morte della possibilità stessa.

CLASS – “Scratching the Ceiling”
[Feel It]power-pop

Ben Michaelis sulla pagina Bandcamp del gruppo ci dice: “Registrato nel corso di una settimana a Tucson dal trio composto da Andy Puig e i fratelli Meyer (Erik e Martin), Scratching the Ceiling dimostra ampiamente che i cambiamenti nella formazione e i trasferimenti fuori dallo Stato non hanno rallentato minimamente i Class. Riff di chitarra che richiamano alla mente un John Ellis risucchiato da un k-hole, ritmi ansiosi e nervosi intrisi di carisma fraterno che spingono un brano dopo l’altro come una locomotiva a vapore, voci urlanti che si fanno strada con sghignazzi e ringhi attraverso il caos della società contemporanea: c’è proprio tutto. L’urgenza sembra molto reale questa volta, mentre la band si fa strada attraverso 10 brani che documentano sia l’ansia civile che è arrivata a caratterizzare la nostra esistenza quotidiana, sia il desiderio ribollente di fare qualcosa al riguardo, di reagire nelle strade. Questo disco è l’equivalente musicale e spirituale di un mattone lanciato contro il poliziotto che hai in testa. La rabbia avvolta nella melodia e in un songwriting sottilmente intelligente rimane comunque rabbia: la violenza è in agguato dietro le quinte, appena fuori dal palco. Questo non è solo rock ’n’ roll, anche se è rock ’n’ roll – buon rock ’n’ roll – ma è un caso di studio delle condizioni per la sopravvivenza nel simulacro“.

RADIE PEAT – “No Human Tongue Can Tell”
[Rough Trade]folk

L’album di debutto da solista di una delle cantanti più influenti e apprezzate d’Irlanda, Radie Peat dei Lankum e degli ØXN. Con una visione unica, un’estensione vocale sbalorditiva e un senso dell’ironia tutto suo, Peat è acclamata per la sua potente voce da contralto, la maestria tecnica e la profondità emotiva. Distilla l’essenza della musica folk, infondendo nuova vita a vecchie canzoni e trasmettendole con un significato rinnovato, preservando e arricchendo al contempo la tradizione canora irlandese. “No Human Tongue Can Tell” è al tempo stesso profondamente personale e di ampia portata universale. Riflessivo, ma pragmatico. Attraverso questa raccolta di canzoni folk, Radie guida con sicurezza, autosufficienza e autonomia la sua rivisitazione delle storie d’amore della tradizione popolare.

IBEX CLONE – “Gravity”
[Goner Records]alternative

Gli Ibex Clone si sono inevitabilmente e magnificamente evoluti ulteriormente verso la loro essenza. Registrato in una discarica punk in un cortile da Andrew McCalla, leggenda dell’audio di Memphis, “Gravity” suona finalmente come gli Ibex Clone in carne e ossa. Un potente trio dal vivo, libero da qualsiasi vincolo di genere, che crea musica fisica nell’ambiente che meglio si adatta a loro. Mentre i loro primi due album proiettavano visioni caute di utopia attraverso una lente cristallina e dai contorni netti, “Gravity “trascina tutto verso l’interno, trasformandolo in qualcosa di decisamente più caldo e forte, personale e immediato. È il rock dalle sfumature folk dei Kinks e dei Fairport Convention, ma filtrato attraverso una sensibilità SST sfocata, un album decisamente progressivo che dedica tanto spazio ai ritornelli pop quanto allo sguardo perso nel vuoto tipico del post-punk.

CRATE – “Crate”
[Good English Records]alternative

I Crate hanno impiegato tre anni per realizzare un album prima che la maggior parte delle persone sapesse dell’esistenza della band al di là di una singola canzone. Quella canzone era “Julia”, una spirale chitarristica inebriante che il quartetto di Brooklyn ha pubblicato in proprio, in sordina, nel febbraio 2024. Quando “Necklace” è finalmente uscito un anno dopo, il sound è passato da un pop acustico lo-fi sommesso a una nebbia distorta di fuzz. “Questo brano parla un po’ dell’essere intrappolati in diversi circoli viziosi della vita e del tentativo di liberarsene“, dice Ezra, uno dei principali autori della band, a proposito del brano. “Immagini la tua vita fuori da quel circolo vizioso: saresti molto più felice. Pensi di rompere il ciclo finché non ti rendi conto che è semplicemente più facile ricadere nello stesso circolo vizioso. Ancora e ancora. Ogni fottuta volta». È questo il tono che caratterizza l’omonimo album di debutto della band: umoristico e malinconico allo stesso tempo. «Dal punto di vista dei testi, l’album nel suo insieme è un diario, un riflesso delle esperienze vissute da Cody ed Ezra», spiega il chitarrista Juan Angulo. Dal punto di vista musicale, la band traccia la propria discendenza senza troppe esitazioni: il lato più rumoroso dei My Bloody Valentine, quello più tranquillo degli American Analog Set, degli Acetone e dei Duster, con “Sunkissed” dei Guitar citato direttamente come punto di riferimento produttivo per le sue voci invertite e i loop frammentati e ricostruiti.

TRENTEMOLLER – “Trentemoller”
[In My Room]elettronica

Il nuovo album senza titolo di Trentemøller esplode con la forza di una supernova prima di dissolversi in voci struggenti. Nei 10 brani, esplosioni massimaliste di rumore chitarristico si scontrano con alcuni dei brani shoegaze più travolgenti che ascolterete quest’anno. «Il rumore è diventato più rumoroso, il sogno più sognante», afferma Trentemøller. «Questa volta sono stato spietato». La voce è presente in ogni traccia, con la collaborazione di artisti quali Sakura, Anika, Midwife, Tan Cologne, Sune Rose Wagner, Jonas Bjerre dei Mew ed Emma Acs.

HEAVEN IN HER ARMS – “The End Of Purification”
[Banshies]post-metal

Gli Heaven In Her Arms di Tokyo tornano con il loro attesissimo nuovo album. Da quasi due decenni, la band è una delle realtà di spicco della scena underground heavy giapponese, avendo sviluppato un sound unico a metà strada tra post-hardcore, screamo, post-metal e musica heavy atmosferica. Costruita attorno al gioco esplosivo di tre chitarre, la loro musica spazia da un’intensità travolgente e una tensione cinematografica a momenti di fragile e disarmante bellezza.

COMMONER – “Former Self”
[Pure Noise]punk, post-hardcore

Nel loro album di debutto i Commoner bilanciano l’intensità grezza del post-hardcore e del noise rock con un tocco più cupo e suggestivo. Un’occasione di riflessione per ciascun membro, alla scoperta del cambiamento, della memoria e del processo di andare avanti, chiudendo al contempo un capitolo della storia della band che da tempo sembrava necessitare di una conclusione. “Former Self” è un album intenso, vulnerabile e profondamente personale, senza mai risultare moralista.

HIS LORDSHIP – “Promised Land”
[Psychonaut Sounds]alternative, rock

Dopo il grande successo riscosso lo scorso anno dall’album “Bored Animal”, la Psychonaut Sounds pubblica l’omaggio di His Lordship al pioniere del rock ’n’ roll Chuck Berry, per celebrare quello che sarebbe stato il suo centesimo compleanno. Fan di lunga data di Chuck Berry i pellegrini del rock ‘n’ roll di His Lordship hanno avuto l’idea di provare a registrare una selezione variegata di brani di Berry, per vedere se, pur rendendo omaggio a questi monumenti della musica americana, potessero imprimere il proprio marchio personale al materiale, infondendogli l’urgenza e la passione ardente del XXI secolo. Registrato all’inizio del 2026 ai Karma Studios di Londra, “Promised Land” presenta per lo più rivisitazioni adrenaliniche di 13 brani straordinari, molti dei quali registrati senza prove. Il disco evita la parodia e cattura l’essenza e la spontaneità del puro rock ‘n’ roll, il tutto nello stile viscerale della band, incorporando al contempo elementi di proto-punk, garage rock, doo wop, le armonie dei girl group newyorkesi e, lungo il percorso, una vecchia chitarra di Ry Cooder.

THE BAD PLUG – “PLUGOLOGY VOL. 1”
[Wild Honey]garage-punk

La città di The Bad Plug è popolata da lavori soffocanti, becchini ambiziosi, vampiri e animali che hanno imparato fin troppo bene a comportarsi come esseri umani. Il desiderio può trasformarsi in una richiesta di essere messi al tappeto con un pugno; una filastrocca può descrivere la lotta per sopravvivere alla vita metropolitana. “Plugology”, l’LP d’esordio del trio milanese, riunisce queste storie in un unico disco, raccogliendo tre EP pubblicati nell’arco di quattro anni insieme a due brani inediti.

LOS BITCHOS – “Los Bitchos and Friends Vol 1”
[Great! Records In Association With !K7 Music]alternative

I Los Bitchos portano avanti il loro spirito transcontinentale con “…and Friends Vol 1”, un disco basato sullo scambio, la curiosità e la connessione. Attingendo alle loro radici in Australia, Turchia, Svezia e Regno Unito, coinvolgono collaboratori da tutto il mondo per dare vita a un progetto luminoso e senza confini, in cui le culture si incontrano e danzano insieme.

DIEMEN SNIEP – “Nobody Likes a Pity Party”
[JauneOrange]noise-rock

Il percorso che ha portato a “Nobody Likes a Pity Party” è stato lungo, caotico e, a tratti, estenuante. Ci sono voluti anni di lavoro, innumerevoli ore di sonno sacrificate e un’ambizione che ha spinto continuamente il progetto oltre i propri limiti. Quel senso di eccesso permea l’intero disco. Un album costruito sui contrasti, in cui la band non ha cercato tanto una coesione immediata quanto il giusto equilibrio tra violenza, fragilità e ossessione per i dettagli.

NO LUCIFER – “No Lucifer”
[Mint 400 records]alt-rock

No Lucifer nasce dalle ceneri di un progetto precedente, interrotto nel 2017, che negli anni si è trasformato fino a diventare qualcos’altro. Nel passaggio, alcuni membri hanno cambiato strumento, Gianfilippo Bonafede dal basso alla chitarra, mentre Fabio Mangiatordi ha continuato a scrivere i brani, pensati all’inizio come un progetto acustico, solo voce e chitarra. La voglia di suonare insieme però non si è mai spenta: la band si è ritrovata nella stessa sala prove di sempre, ha iniziato ad arrangiare quei brani in formazione completa e le canzoni, nel tempo, sono aumentate fino a diventare un disco. Le influenze dei No Lucifer riflettono le sensibilità diverse dei membri: l’amore di Fabio per i Radiohead, la passione di Gianfilippo per il rock alternativo italiano — da Marlene Kuntz agli Afterhours – mentre Lorenzo D’Angella porta un’attitudine più stoner, tra Queens of the Stone Age e Foo Fighters. Nei testi ritorna spesso la tensione tra il desiderio di fuga e la paura di lasciarsi andare: luoghi che non esistono, ricordi che si deformano o sbiadiscono, routine da cui evadere e persone da inseguire senza mai davvero raggiungerle. È un album che si muove costantemente sul confine tra sogno e realtà, tra ciò che si vorrebbe essere e ciò a cui si è ancora legati; il tempo che passa, sfugge, si dilata o si consuma, e la memoria che riscrive continuamente quello che è stato.

BLACKHAINE – “Saints in the Wethouse”
[XL Recordings]hip-hop

Blackhaine è il nome d’arte di Tom Hayes, rapper, ballerino, produttore e coreografo originario di Preston, nel Lancashire: il suo album di debutto è ambientato in un mondo notturno fatto di strade inzuppate dalla pioggia, palazzoni incombenti e sirene in lontananza; l’album racconta la sua quasi implosione dopo essere diventato una star dell’avanguardia britannica. Il suo rap ferito e dalla forma libera intreccia storie di autodistruzione, critica sociale e ricerca interiore in un’esplorazione in stile noir delle prigioni che costruiamo attorno a noi stessi, o che altri costruiscono per noi, e della possibilità di salvezza.

FONT – “American Bully XL”
[Acrophase]alt-country

Nel dare seguito al loro album di debutto del 2024, “Strange Burden”,i Font si sono ritrovati a attingere alla musica con cui sono cresciuti. Il risultato è un vivido collage di tradizione musicale del Lone Star State e musica sperimentale: ci sono momenti di country-rock polveroso, l’atmosfera languida e al rallentatore di DJ Screw, campionamenti di lap steel, melodie dolci e stralunate in stile Roky Erickson, un pizzico delle allucinazioni da visione termica di Lotic e inni in forma elettronica. Più di ogni altra cosa, c’è uno spirito tipicamente texano fatto di indipendenza, curiosità e fiducia in se stessi. La band vede il cambiamento nella propria musica come un processo di maturazione: «Era giunto il momento di lasciare più spazio al cielo nelle canzoni», spiegano.

JIMI TENOR – “Wormhole Mystic”
[Bereau B]elettronica

Pochi artisti hanno esplorato così tanti territori musicali come Jimi Tenor senza mai adagiarsi in una formula riconoscibile. Da oltre tre decenni, il compositore e polistrumentista finlandese si muove liberamente tra musica elettronica, jazz, funk, afrobeat e pop sperimentale, guidato più dalla curiosità che dai confini stilistici. Il suo approccio è rimasto straordinariamente coerente nel tempo: intuitivo, esplorativo e aperto. Piuttosto che seguire un piano prestabilito, la sua musica tende a nascere dalla sperimentazione e dalle possibilità che si presentano lungo il percorso. Dopo l’uscita del suo primo album con la Jimi Tenor Band, appena formata, e un lungo periodo di tour, Tenor torna ora al lavoro da solista con il suo ultimo album per l’etichetta amburghese Bureau B. I dodici brani qui raccolti hanno tutti avuto origine da loop ritmici programmati su drum machine vintage degli anni ’60 e ’70. Il loro pulsare asciutto e meccanico è diventato la base per una nuova serie di composizioni, aprendo percorsi inaspettati nel mondo sonoro in continua espansione di Tenor.

CAMILLA BUZZETTI – “Blue Ink”
[AltaVibe Music]pop, americana

A due anni dall’uscita del primo singolo “Over”, Camilla Buzzetti pubblica il suo album d’esordio, “Blue Ink”. Il progetto raccoglie brani come “Rewind” e “Let Me In”, scritti all’età di 16 anni, e opere più mature come “The Only One I Ever Loved”, che mostrano come quest’album sia un autentico diario di bordo sonoro, capace di fotografare il delicato passaggio dall’adolescenza all’età adulta. Dal punto di vista musicale, il disco fonde il cantautorato pop con calde influenze country/rock ed echi della tradizione americana e britannica, muovendosi tra arrangiamenti intimi e produzioni più moderne e avvolgenti. La metafora dell’inchiostro blu è elevata a simbolo di resilienza: una testimonianza di come l’espressione artistica permetta di rielaborare le proprie fragilità per riscrivere la propria narrativa personale.

TAMI HART – “Tami Hart”
[Don Giovanni]alternative

All’alba degli anni 2000, all’età di 19 anni, Tami Hart raggiunse ciò che molti inseguono per tutta la loro carriera: una recensione entusiastica del New York Times che lodò il suo primo album, “No Light in August”, per le sue “canzoni crude e strazianti”, la “solennità della sua saggezza soprannaturale” e il “fervore del punk rock più assordante“. Quasi 25 anni dopo, nella sua autobiografia, “Rebel Girl”, Kathleen Hannah dei Bikini Kill, una delle eroine di Hart, ha elogiato il suo modo di suonare la chitarra definendolo «che ricorda alcuni dei più grandi successi dei Nirvana, ma rivisitati in chiave folk, con una voce potente, vibrante e vulnerabile che saliva sempre di un’ottava esattamente al momento giusto, fluttuando in primo piano». Allora, dove si va dopo aver raggiunto l’apice creativo da adolescente? Se sei Hart, ti avventuri ancora di più verso l’interno. «Ero completamente esausta e ho smesso», racconta, «perché erano stati più di dieci anni passati solo a cercare di sopravvivere». Ora, a 25 anni dal suo debutto, Tami Hart torna con un nuovo, imponente album registrato in sei giorni ad Asbury Park, nel New Jersey. . Il disco ritrae Hart mentre supera la sua mentalità da outsider di lunga data e abbraccia la propria identità di artista. Tami Hart è al tempo stesso un ritorno e una reinvenzione: grezza, melodica, profondamente personale e piena di una sicurezza conquistata a fatica.

HONEY BANE – “My Beautiful Demon Inside”
[Caliban Sounds – One Little Independent Records]indie-rock

Honey Bane ha trascorso gran parte della sua vita rifiutandosi di seguire il percorso che ci si aspettava da lei. Emersa durante la prima ondata del punk britannico, quando era ancora adolescente. la sua è una storia di fiera indipendenza ed evoluzione creativa, un percorso che l’ha portata a muoversi all’interno ed oltre l’industria musicale, senza mai perdere l’impulso a scrivere e creare.Ora, con “My Beautiful Demon Inside”, Bane presenta uno dei suoi lavori più personali di sempre, un’analisi cruda ed intima della vulnerabilità, dell’accettazione e delle forze contrastanti che risiedono dentro di noi. Per l’artista, l’album può essere riassunto nella frase che campeggia sulla copertina: “dissezionare i paesaggi interiori del sé“.

ROSAPOLVERE – “Appendix A: Wandering Drones”
[Stiff Slack / Shove Records]sperimentale

Un pastiche di Drone e Dungeon Synth il cui ascolto è un’immersione profonda in cuniculi bui ma allo stesso una dichiarazione d’amore estremo e citazionista verso alcuni mondi fantasy. Il disco si sviluppa intorno al tema della casualità, infatti il titolo stesso riprendere le tabelle di analisi e di creazione casuale per dungeon e mostri erranti. Una criptica appendice di un manuale di regole di gioco che non esiste, dettagli e specifiche che si basano su fondamenta a noi ignote, possiamo ipotizzarle, provare a immaginarle ma non è semplice afferrarle e orientarsi. Non si è mai al sicuro vagando nell’ignoto.

IRACI – “5 canzoni sulla speranza”
[Aspro Dischi]pop, rock

IRACI è il progetto di Giacomo Iraci, cantautore romano che racconta con ironia le contraddizioni della vita adulta. In questo disco dedica cinque canzoni ad altrettante paure, dall’ansia di perdersi qualcosa all’eco-ansia, passando per l’amore, l’amicizia e la difficoltà di immaginare il futuro. A ogni paura prova a rispondere con una canzone, muovendosi tra rock, folk, pop, bossa nova e arrangiamenti d’archi.

GOBLYNS – “Who Do You Fight?”
[Crazysane]rock-blues

Un album intenso, trasformativo e coinvolgente, ricco di spunti in cui perdersi. Sincopi magistrali e groove psichedelici si alternano a un’immersione più profonda nella tradizione compositiva dell’R&B. La voce di Frank è presente in metà dei brani, intrecciando un ulteriore strato nel paesaggio irrequieto e onirico dell’album.

SOUP ACTIVISTS – “Where the Rubbish Goes”
[Feel It]indie-rock

Forse ricorderete Martin Meyer per la sua etichetta Lumpy Records e la sua band Lumpy And The Dumpers, due realtà degli anni 2010 che hanno ispirato diverse generazioni di ragazzini punk fuori di testa a cantare attraverso pedali di modulazione vocale e a scrivere canzoni che sembrano i Devo suonati all’interno di un lettore di cassette che si sta sciogliendo. Ma oggi non siamo qui per fare una retrospettiva sulla sua carriera, né per parlare di terminologie di genere controverse, né per scambiarci aneddoti sui concerti nei seminterrati del Midwest. Siamo qui per parlare della sua band attuale, i Soup Activists, e del loro eccellente nuovo album un disco pieno di pop chitarristico carico di energia che spazza via con la sua melodia le attività indie più educate.

JOE BARBIERI – “Cantabile”
[Microcosmo Dischi]jazz, world music

Il nuovo album di Joe Barbieri è un atto d’amore verso la melodia, suprema regina della musica. È composto da undici tracce di cui dieci temi strumentali originali tutti scritti ed orchestrati da Barbieri, in cui l’eco del cinema europeo si riverbera nel linguaggio neo-classico contemporaneo. In coda all’album si annida una piccola sorpresa: un ultimo brano in cui la musica torna per una volta a legarsi alla voce e alle parole, per farsi strumento tra gli strumenti e chiudere infine il cerchio. Joe Barbieri — compositore e produttore italiano con decadi di esperienza — ha concepito questo album cinematico paradossalmente come un “Best Of”, come una raccolta di colonne sonore sinfoniche di film immaginari; o meglio come la colonna sonora unica di un film che non è (ancora?) stato realizzato.

ABYSSO RELICTA – “Mannequin Mayhem”
[Seahorse Recordings]alt-rock, post-rock

“Mannequin Mayhem” prende forma attorno all’immagine di un’umanità in balia di forze che non riesce a governare: manichini sacrificabili, privati della memoria e sospinti verso l’autodistruzione. Da questa visione si sviluppa un percorso attraverso paure, alienazione e oscurità interiore. La tensione narrativa passa attraverso il contrasto tra passaggi minimali e aperture improvvise. Chitarre stratificate, synth distorti, ritmiche ossessive e linee vocali fragili costruiscono paesaggi rarefatti, nei quali l’accumulo non coincide necessariamente con una liberazione. La scrittura ricerca dinamiche e atmosfere senza affidarsi a strutture prevedibili. I testi esplorano questa inquietudine attraverso la ripetizione del quotidiano, la ricerca di senso e i legami che oscillano tra protezione e soffocamento. Tra identità frammentate, distanze e perdite, affiorano fragili punti d’appoggio a cui aggrapparsi.

SOTTOVOCE – “musica sottovoce”
[Mille Piccoli Cieli]indie-pop

Album d’esordio di sottovoce, progetto di Vincenzo Della Puppa. Interamente prodotto da Tobia Della Puppa, in arte novecento, vede al centro la città che ne fa da cornice: Venezia, dove i brani sono stati scritti. Il filo conduttore è il volersi ritrovare, guardarsi allo specchio e provare a capirci qualcosa, parlare con sé stessi una volta per tutte senza filtri e capire insieme dove andare, cosa fare, come cambiare. Un album indie pop ricercato sospeso tra atmosfere elettroniche rarefatte e passaggi musicali più giocosi, in equilibrio fra riflessione e autoironia.

YNGWIE MALMSTEEN – “Hell Or High Water”
[Music Theories]metal

Il disco raccoglie nove brani inediti scritti in otto mesi da Malmsteen nella propria abitazione, lavorando lontano dalle distrazioni quotidiane per non ostacolare il flusso creativo. L’album fonde heavy metal e virtuosismo neoclassico.

CHERRY PIKES – “So It Goes…”
[Sunday Drive]indie-rock

Con un album e una manciata di singoli pubblicati negli ultimi due anni, i Cherry Pikes considerano “So It Goes…” un addio agli anni d’oro della band. Provenienti dalla scena hardcore svedese, il loro sound attinge tanto dai Pixies e dai Polvo quanto da contemporanei più recenti come Ovlov e Feeble Little Horses. Scritto con amici che andavano e venivano dalla sala prove, l’album è stato realizzato senza metronomo, lasciando nelle registrazioni le conversazioni e i momenti tra una ripresa e l’altra. Nei suoi otto brani, chitarre potenti e le assurdità della vita quotidiana si fondono in un suono grezzo e disinvolto che cattura l’emozione e l’atteggiamento genuini della band.

THE LAST CONFIDENCE – “Persone piccole, lingue giganti”
[x records]pop-punk

Sul suo quarto album in studio, la band di Bergamo perfeziona tutte le caratteristiche che l’hanno resa uno dei progetti più importanti e riconoscibili nel punk italiano negli ultimi quindici anni: ritmi serrati, chitarre energiche con riff trascinanti, ritornelli istantaneamente memorabili e i testi del frontman Marco Cosentino che, di album in album, rispecchiano la crescita e la maturazione di una persona come tanti di noi, con i problemi della vita quotidiana e le piccole e grandi gioie che questa ci riserva, rendendo le canzoni dei The Last Confidence un quadro in cui potersi ritrovare e rispecchiare.

LLANA SCHAEFER – “Full Circle”
[Strolling Bones Records]folk

Quando ero più giovane, ho realizzato un album con i miei amici per i miei amici in un piccolo studio magico chiamato Dial Back Sound a Water Valley, nel Mississippi. In seguito, ho lavorato in quello studio per diversi anni come tecnico del suono e corista per chiunque venisse a registrare lì. Quando ho iniziato a lavorare a questo album, sapevo di voler tornare lì e registrare di nuovo con lo stesso gruppo di amici dopo aver imparato e cresciuto così tanto in quel posto, ed è da lì che nasce il nome: “Full Circle”. Abbiamo registrato le tracce di base dal vivo su nastro, alcune di queste canzoni al primo take, e abbiamo fatto pochissime sovraincisioni. Volevo che il suono rispecchiasse chi eravamo in quel preciso momento. Tutte le voci soliste sono dal vivo e registrate sul momento, imperfezioni comprese, ma come dice il proprietario dello studio, Matt Patton: “Una registrazione è una fotografia”. Questo album è una raccolta di momenti immortalati nel Mississippi proprio dalle persone che amo lì.

BLACK DOLDRUMS – “Repetition Compulsion”
[Fuzz Club]new wave, post-punk

Con il loro terzo album in studio i Black Doldrums completano la “State of Mind Trilogy”, una trilogia di tre album che esplora le forze psicologiche che plasmano l’identità, la memoria e le relazioni umane. Attingendo dal post-punk gotico degli anni ’80, dal synth-pop e dalla darkwave, il trio londinese si ispira anche alle atmosfere delle colonne sonore di John Carpenter e Vangelis. Questi punti di riferimento sono presenti, ma i Black Doldrums li trasformano in qualcosa di cinematografico, moderno e decisamente personale. Ricco di dettagli, ambizione artistica e intensità emotiva, “Repetition Compulsion” rappresenta il lavoro più completo e maturo dei Black Doldrums fino ad oggi.

TAKUYA NAKAMURA – “Shape The Future”
[Fabric]D&B, jazz

Takuya Nakamura, poliedrico artista giapponese di jazz ed elettronica con sede a New York, presenta il suo album di debutto a quasi 35 anni dall’inizio del suo percorso musicale. Si tratta di un doppio album di ampio respiro: il primo LP documenta un’esibizione dal vivo registrata al fabric, un set ibrido che combina DJing, elettronica dal vivo, voce e tromba, oltre a collaborazioni in studio con Shigeto, Currency Audio e Tim Reaper. Il secondo LP raccoglie registrazioni in studio di brani selezionati dell’album.

AESOP ROCK & BLOCKHEAD – “Trouble Mountain”
[Rhymesayer]hip-hop

A quasi trent’anni dall’inizio di una delle collaborazioni più durature e apprezzate dell’hip hop underground, e a cinque anni dall’acclamato “Garbology”, il rapper Aesop Rock e il produttore Blockhead tornano a unire le forze per “Trouble Mountain”.
Composto da 17 brani, il disco vede la partecipazione di Open Mike Eagle, Hanni El Khatib, Baby Dayliner, Cavalier e 4-IZE, e rappresenta un nuovo capitolo di una partnership creativa che continua a evolversi senza perdere la propria identità.

LAURA ANGLADE – “Something’s Coming”
[Nettwerk Music Group]jazz

Sebbene Laura Anglade abbia radici profonde nel Great American Songbook, il suo nuovo album evolve quel linguaggio in qualcosa di più teatrale, ricco di sfumature ed emotivamente aperto. Attingendo al musical di teatro, al pop di metà Novecento, ai ritmi brasiliani e alla tradizione del cantautorato, “Something’s Coming” trascende i confini del jazz vocale tradizionale, mentre Anglade interpreta ogni brano come parte di un universo più vasto, intimo ed aperto a diverse chiavi di lettura. Anglade apre ulteriormente i confini della sua espressività artistica: “sento di correre più rischi, sono più sperimentale e riesco a spingermi oltre, mettendo alla prova i miei limiti” afferma. Ed è proprio questo cambiamento a conferire a “Something’s Coming” la sua varietà emotiva: giocosa, vulnerabile, romantica, inquieta e ribelle. Per quasi un decennio l’artista ha sviluppato il materiale insieme al pianista e fisarmonicista Ben Rosenblum, che ha curato gli arrangiamenti per archi. A loro si sono poi uniti il bassista Marty Jaffe e il batterista Ben Zweig.

CHASTITY – “I Built This Prison Myself”
[Deathwish]indie-rock

I Chastity sono per i ribelli, gli headbanger, i tipi stravaganti – per chiunque si sia sentito intrappolato in un luogo, in una vita o in una versione di sé che non ha scelto. Da quando ha dato vita al progetto a Whitby, nell’Ontario, Brandon Williams ha costruito i Chastity attorno a un’atmosfera da periferia, creando canzoni come una mano tesa e costruendo una comunità come mezzo di sopravvivenza. Il nuovo album parla della lotta per se stessi. Si tratta del lavoro più narrativo di Williams fino ad oggi, basato su una storia che ha tormentato la sua città natale per generazioni: l’Ospedale Psichiatrico di Whitby e l’incendio del 1976 appiccato da un paziente sedicenne che bruciò un enorme fienile all’interno del complesso ospedaliero. L’album immagina il ragazzo dietro quell’incendio, non come simbolo di distruzione, ma come un giovane alle prese con la paura, l’impotenza, il controllo e la speranza di rimanere se stesso. Il nuovo disco dei Chastity spazia tra hardcore melodico, shoegaze e punk, e arriva sulla scia di alcuni anni frenetici per la band.

SATURDAY NIGHT DENGUE – “Saturday Night Dengue”
[Bloody Sound]elettronica, psych

Otto brani, di cui solo uno con un titolo apparentemente pronunciabile. Tutto il resto è un alfabeto mutante fatto di simboli, interferenze e geroglifici digitali: il segno di un disco che preferisce disorientare piuttosto che spiegarsi. Nato nel 2022 dall’incontro tra ex membri dei Paperoga e dei Gerda, il duo di Jesi Saturday Night Dengue fonde i suoni di luoghi, persone e menti. Ritmi sintetici, melodie aliene e voci provenienti da terre lontane fluttuano in un equilibrio instabile tra paesaggi reali e allucinazioni digitali, festa e malessere, danza e disorientamento. Il risultato è un collage sonoro in cui pulsazioni tropicali e ritmi da discoteca si scontrano con distorsioni, interferenze e frequenze meno accomodanti. Una musica che prende le forme della dance e della musica elettronica per spingerle altrove, in territori dove il familiare appare improvvisamente strano e ogni tentativo di orientarsi è destinato a essere di breve durata. Coriandoli, costruzioni oniriche e suoni folli: musica per corpi che rifiutano di stare fermi e menti disposte a perdersi.

IBISCO – “Fotoromanzo”
[Panico Dischi]alt-pop, post-punk

Il titolo dell’album nasce da un gioco di parole provocatorio che unisce un’ansia contemporanea come la FOMO (Fear Of Missing Out) al fotoromanzo, la classica narrazione per immagini. L’unione di questi due opposti invita a riflettere sulla possibilità di essere tante cose insieme. “Pensando a un’espressione capace di riassumere il senso del lavoro, mi piace l’idea di parafrasare Walter Benjamin, definendo FOMOROMANZO come un disco sulla riproducibilità umana in un’epoca di emotività tecnica.“, dichiara Ibisco. Le canzoni si sviluppano come montaggi visivi fatti di stacchi d’inquadratura e sequenze sgranate, attingendo alla grammatica del cinema, della fotografia e della letteratura. Le parole non si limitano a descrivere gli eventi, ma plasmano nuovi significati. Il sound intreccia cantautorato italiano, rock ed elettronica cupa. Le influenze, ci dicono le note stampa, spaziano da Lucio Dalla e Lucio Battisti fino al post-punk di Joy Division, The Cure e Fontaines D.C..

KRILL – “Secret Language”
[Exploding In Sound Records]alternative

Nel riportare in vita la band Krill — dichiarata defunta oltre 10 anni fa — Jonah Furman ha preso spunto dalla Turritopsis nutricula: la “medusa immortale” che, invece di morire, ritorna allo stadio giovanile. “Ho sempre avuto paura di tornare a casa“, dice. «Ma da casa non si può sfuggire». Ora che vive nello stesso sobborgo di Chicago in cui è cresciuto, Furman riflette sullo scorrere del tempo in “Secret Language”, un’esplorazione nostalgica e intellettuale della famiglia, della paternità e dell’amore predestinato. Il progetto è stato riportato in vita «per capriccio», come dice Furman: «Theo degli Ovlov ha chiesto se i Krill volessero aprire un concerto a Chicago. Allora ho iniziato a scrivere nuova roba». In “Secret Language”, il trio attinge alla famosa comunità musicale della città che hanno riscoperto, traendo ispirazione dagli artisti locali attuali proprio come i Krill erano stati ispirati dai loro contemporanei di Boston, come i Pile e gli Speedy Ortiz, piuttosto che dai Pixies o dai Mission of Burma.

CRISTIANO GODANO – “Un filo d’erba nel muro”
[Ala Bianca Group]cantautorato

Ad accompagnare Cristiano Godano in questo nuovo lavoro c’è Rob Ellis, polistrumentista e storico produttore britannico (già al fianco di PJ Harvey e Marianne Faithfull). Il sodalizio tra i due si rinnova a più di vent’anni da “Senza peso” (2003), pietra miliare nella discografia dei Marlene Kuntz. La scelta di affidarsi alla produzione di Ellis promette di proiettare l’album verso una dimensione sonora di respiro internazionale, affrancandosi dalle sfumature folk del passato per esplorare nuove stratificazioni produttive.

SALVO ANELLO – “Altra Categoria”
[Dirty Queen Records]cantautorato

Il disco si muove così tra dimensione personale e riflessione collettiva. Le esperienze autobiografiche diventano strumenti attraverso cui interrogare questioni che riguardano tutti: il modo in cui cambiamo, ciò che ereditiamo dalle persone che ci hanno formato e la continua ricerca di un equilibrio tra ciò che siamo stati e ciò che stiamo diventando. Dal punto di vista musicale, “Altra categoria” affonda le proprie radici nella grande tradizione della canzone d’autore italiana, aprendosi però a influenze folk, jazzistiche, orchestrali e teatrali. Ogni brano trova una propria forma sonora, ma tutti condividono una stessa idea: l’arrangiamento non è un elemento decorativo, bensì una parte essenziale del significato della canzone. Testo e musica dialogano costantemente, cercando un equilibrio tra scrittura, spontaneità e intensità espressiva.

MARCEL DETTMANN – “My Own Shadow: Album”
[!K7]elettronica

Da oltre tre decenni, il DJ, produttore e curatore berlinese Marcel Dettmann è una figura di spicco nella musica elettronica, con radici che spaziano dal post-punk e dall’industrial al synth-pop. I suoi DJ set e le sue pubblicazioni su Ostgut Ton e Dekmantel intrecciano techno grezza, Chicago house, electro e paesaggi sonori d’avanguardia. Al di là dei club e delle sue etichette, MDR e Bad Manners, Dettmann si è cimentato con paesaggi sonori per gallerie d’arte, composizioni per il balletto e colonne sonore cinematografiche. Questa curiosità caratterizza una carriera costruita all’incrocio tra la funzione da pista da ballo, la collaborazione e l’evoluzione sonora. Costruito sul minimalismo materico attraverso ritmo, spazio e tensione, il disco collega il passato di Dettmann a un suono in movimento.

AARON DILLOWAY – “No Skill Comedy Mind Reading”
[Dias Records]sperimentale

Aaron Dilloway torna alla Dais Records con il suo primo vero album completo dal 2017: una raccolta di brani caratteristicamente stridenti e assurdi. Contraddistinto dalle sue tipiche distorsioni e contorsioni, l’album raccoglie suoni trovati avvolti dal feedback, registrazioni sul campo e improvvisazioni vocali. “No Skill” raccoglie quasi un decennio di lavori solisti selezionati eppure si percepisce chiaramente come un prodotto del presente: un risultato frammentario di instabilità, al tempo stesso aspro e umoristico. Pochi artisti sperimentali contemporanei dell’ultimo quarto di secolo sono così prolifici e venerati come Dilloway, pioniere della scena noise del Midwest americano, ex membro dei Wolf Eyes e fondatore dell’etichetta e del negozio di dischi Hanson Records, con sede a Oberlin.

JOE GLASS – “Snakewards”
[K/Perennial Records]indie-rock

Una riedizione ampliata della cassetta ormai fuori catalogo. Pop giocoso e stordente dal bassista degli Sharp Pins, che attinge ispirazione da tutta la grande musica pop rock ’n’ roll, sia mainstream che underground. È un’esplosione di brani che restano in testa, chitarre jangle punk e una produzione impeccabile. I 3 singoli sono brani inediti aggiunti alla versione originale. Se siete fan dell’attuale linea discografica di K/Perennial, degli Apples in Stereo, dei Golomb o anche dei primi Wilco, questo album vi piacerà da morire!

POZI – “Bark Bark”
[Rumbaba Recordings]indie-rock

“Bark Bark” è il primo album dei Pozi che vede la partecipazione del bassista e cantante Frank Lindsay, che sostituisce Tom Jones al fianco della violinista e cantante Rosa Brook e di Burroughs. Alla formazione del trio, composta da violino, batteria e basso, si aggiungono in questo album Joel Whitaker (Keg) al violoncello e i testi e la voce di James Massiah, con Frank Lindsay accreditato anche al pianoforte. I temi trattati spaziano dal materialismo alla sessualità, dal possesso alla vita di paese e al fascino del palcoscenico, oltre alla continua riflessione della band sulla Gran Bretagna post-Covid. Brook afferma: «Scrivere “Bark Bark” è stato un processo istintivo, rapido ed esaltante, volto a sviluppare un linguaggio musicale diverso insieme al nostro bassista Frank, pur rendendo omaggio alle nostre precedenti incarnazioni. Abbiamo esplorato quale potesse essere ora la nostra tavolozza sonora in risposta ai tempi che corrono».

BEBAWINIGI – “Soundtracks”
[Subsound Records]sperimentale

“Soundtracks” di Bebawinigi, alter ego artistico di Virginia Quaranta, raccoglie brani tratti da colonne sonore composte tra il 2014 e il 2026. I suoi 20 brani attingono a lungometraggi, cortometraggi, serie web interattive, progetti di arte visiva e teatro. Il quarto album dell’artista spazia dal lirismo sinfonico e dall’ambient minimalista al rumore abrasivo e a intime canzoni con voce e chitarra. Nel corso di quasi un’ora, le atmosfere mutevoli oscillano tra il sognante, il solenne, l’oscuro, l’allucinatorio, l’inquietante, l’ironico e il spensierato.

LIVE SKULL – “What Could Go Wrong?”
[Bronson Recordings]post-punk

I brani dell’album abbandonano parzialmente le dinamiche interpersonali per concentrarsi sulla politica su larga scala e sulla deriva autoritaria negli Stati Uniti, prendendo spunto anche dal panorama politico statunitense e dalla rielezione di Donald Trump.

BREEZE – “Lobster” EP
[Hand Drawn Dracula]dance-punk

I Breeze sono una band pop-rock di ispirazione britannica che incarna l’energia trasversale ad ogni genere di artisti come gli Happy Mondays e i Primal Scream. Guidati dall’ingegnere del suono di Toronto Josh Korody (Traitrs, Slash Need, Tess Parks), i Breeze combinano con allegria la sensualità da pista da ballo del synth-pop, la potenza da inno del britpop e il tono grezzo del post-punk classico in un suono fresco ma senza tempo. “Lobster” è stato registrato a intervalli irregolari negli ultimi due anni in molti degli studi di registrazione più amati di Toronto, tra cui il Deep Water Studio, di recente costruzione e di proprietà dello stesso Korody, dove sono stati dati gli ultimi ritocchi a ciascuno dei quattro brani distinti dell’EP. Una raccolta di canzoni breve ma gioiosa, che rappresenta alcune delle migliori composizioni che i Breeze abbiano realizzato fino ad oggi.

JAN ST WERNER – “Squares Will Fall” EP
[Thrill Jockey]elettronica

Conosciuto soprattutto come uno dei due membri dell’innovativo duo elettronico tedesco Mouse on Mars, Jan St. Werner ha intrapreso anche una carriera da solista con il nome d’arte Lithops e a proprio nome. Ha iniziato a pubblicare musica da solista a metà degli anni ’90 e, attraverso una serie di 7 album, ha innovato ed esplorato i confini della musica elettronica. L’ultimo EP di Werner ha avuto origine nel 2012 come composizione elettronica della durata esatta di trenta minuti, creata per celebrare il trentesimo compleanno di un amico. Nel corso del tempo, il brano ha continuato a evolversi, finendo per costituire la base di un’improvvisazione di Justin Vernon e Jan St. Werner durante le session “Dimensional People” dei Mouse on Mars nello studio di Vernon nel Wisconsin. Nel 2021, “Squares Will Fall” ha assunto una nuova forma come coreografia multidirezionale di altoparlanti creata per la Biennale Industriale degli Urali. Tre livelli indipendenti della composizione venivano trasmessi attraverso altoparlanti sospesi con lunghe corde al soffitto del circo e continuamente riposizionati dagli artisti. Nel 2026, Werner ha completato “Squares Will Fall” e ha realizzato il primo mix stereo presso i Paraverse Studios dei Mouse on Mars.

BREAKKAWAY – “It All Feels the Same” EP
[Epitaph]indie-rock, shoegaze

I breakkaway hanno pubblicato il loro primo singolo nel 2023; ora, a oltre tre anni di distanza e con quasi 22 milioni di ascolti in streaming, il collettivo è pronto a pubblicare la sua prima raccolta definitiva. Con i singoli già pubblicati “Portrait on fire” e “Run away with me”, l’EP si basa sulle loro fondamenta malinconiche e cinematografiche, mescolando elementi di alternative, indie e shoegaze. L’ EPè incentrato sul «dolore di superare le cose che un tempo ti definivano, pur continuando a desiderarle». Prendendo il titolo dell’EP dal brano «Older», la band spiega: «Rappresenta come, con abbastanza tempo e distanza, sia i momenti belli che quelli brutti del diventare adulti finiscano per essere visti con un certo romanticismo distaccato». «È una lettera d’amore agli ultimi anni delle nostre vite», racconta Case Fadell. «Siamo tutti cambiati tantissimo da quando abbiamo iniziato, e questo EP riflette quell’evoluzione in un modo che è unico per noi e per questo periodo. Ci siamo spinti oltre i nostri limiti per creare qualcosa di più grande della somma delle sue parti, e sono davvero orgoglioso di questo lavoro. Siamo felicissimi di annunciarlo e di condividerlo presto con il mondo».

LA BELLE EPOQUE – “Che cos’hai da perdere?” EP
[Tenderfoot Corps]alt-rock

Nata e cresciuta nel circuito dell’alternative rock italiano, La Belle Epoque è una band che fa dell’impatto sonoro e della sincerità espressiva il proprio marchio di fabbrica. Negli anni la formazione ha costruito un’identità potente, viscerale e mai banale, dove il connubio tra chitarre affilate, tastiere sognanti e ritmiche serrate accompagna testi in italiano capaci di scavare a fondo nelle sfumature del presente.

GALEONE – “Corso di pittura” EP
[Dischi Belli / Giungla Dischi]indie-pop

Giovane cantautore dal talento cristallino, nato e cresciuto a Roma, 25 anni. Sei brani che raccontano il senso di spaesamento, le relazioni e le piccole contraddizioni della quotidianità attraverso melodie immediate, arrangiamenti sfumati e una sensibilità narrativa molto spiccata. Le produzioni portano la firma di Riccardo Sinigallia, Alessandro Casagni, Matteo Domenichelli e Fabio Grande.